domingo, 16 de junio de 2013

Memoria completa del Proyecto Personal de Pintura:



ÌNDICE:
1.      Germen de la idea.
2.      Bocetos previos y evolución hasta llegar a la imagen definitiva
3.      Pruebas de color y objetuales. Variaciones y evolución del proceso.
4.      Proyecto terminado: Conclusiones.


1.     Germen de la idea.

Esta idea surge en torno a la reflexión sobre cómo los medios de comunicación ejercen un gran poder sobre el individuo, sus opiniones, sus costumbres o creencias. A veces ni siquiera nos cuestionamos que los medios puedan estar manipulando la información pero, en muchas ocasiones pasa. Nos llegan imágenes o información retocadas o parcialmente incompletas y nos llega el mensaje que conviene a unos y a otros. Me llama la atención lo fácil que es hacer esto con la fotografía o el dibujo, ya que puedes “recortar” la parte de la escena que te interesa y el resto dejarlo fuera para que no afecte al mensaje que deseas transmitir. Esto es, al mismo tiempo, una ventaja de la fotografía. De todas formas una imagen vale más que mil palabras y esta explica a la perfección lo que pretendo decir:


Me apetecía realizar un proyecto basado en la manipulación de la imagen y los efectos que produce en nosotros una imagen descontextualizada o retocada por los medios de comunicación. Quiero criticar a estas entidades y empresas que se dedican a la publicidad y manipulan las imágenes a su antojo a la vez que yo trato de hacer lo mismo. La verdad es que es un poco contradictorio, como le pasó a Warhol, que criticaba la sociedad de consumo pero se adhirió o se aprovechó de ella. Sin embargo, no me puedo comparar con este hombre.
Resumiendo: como idea principal para este proyecto personal decidí hacer una alusión a la manipulación, descontextualización y recontextualización de una imagen. 
Voy a realizar un tríptico en el que trataré, en base a la misma imagen común, que cada cuadro produzca una sensación diferente o tenga una narrativa distinta. Así quiero demostrar mi teoría antes expuesta en la que defiendo que según se trate una misma imagen puede provocar en nosotros un significado o sentimiento diferente.

Quiero que el común denominador de las tres imágenes sea tanto la figura como la inserción de elementos extrapictóricos que hagan sirvan de puente entre el cuadro y la realidad y lo acerquen más al espectador.  

Esta idea principal, obviamente ha ido cambiando y evolucionando conforme iba realizando el proyecto. Es cuando uno se pone a manos a la obra el momento en el que se van viendo las posibilidades que realmente se tienen y donde surgen nuevas ideas y se realizan (espero que) mejoras sobre la idea inicial.



2.     La imagen común: Bocetos previos y evolución.
Quiero que este trabajo funcione como crítica a las barreras y obstáculos que nos encontramos continuamente en nuestro camino y tenemos que superar. Pretendo hacer, también, una crítica al sistema que nos tiene maniatados, que nos utiliza y exprime de tal forma que, en muchas ocasiones, no tenemos tiempo real para poder dedicarnos a nosotros mismos.
En cuanto a la imagen común que utilizaré, he llevado a cabo una intensa búsqueda que explicaré a continuación:

Todas estas imágenes en las que me he parado tienen en común que dan mucho juego a la hora de realizar las transformaciones que me interesan.
Primero pensé en una mujer cuya pose, de alguna manera, se percibiera con ansias de libertad. Esta mujer representaría a todas las mujeres que viven reprimidas y simbolizaría una apertura o un empuje hacia la lucha. 

Sin embargo también se me ocurrió hacer lo propio con la imagen de un niño pequeño. Me he planteado, de esta manera, dirigir la crítica a las crueldades que no cesan de realizarse a niños pequeños en la infancia y reflejar los derechos del niño. 


En tercer lugar, divagando entre diferentes ocurrencias, caí en la cuenta de que sería bueno usar una imagen común genérica y global, que implicara tanto a hombres como mujeres y niños: a la sociedad en su conjunto. Se me ocurrió que podía ser un pictograma, ya que son imágenes simbólicas y comprensibles de manera universal.

A este le he añadido patas de cabra con el fin de hacer una alusión al significado metafórico de rebaño y también para dar un toque absurdo o extraño a la composición. Se podría decir que el mensaje que pretendo, en cierta medida, transmitir es el de un rebaño cargado de indiferencia pero con algún atisbo de ansia de libertad: una libertad que ni siquiera sabe qué significa. La pose también hace alusión a un recién arrestado.

Esta última imagen es más sintética y potente. Y pienso que dará mucho juego a la hora de añadir elementos a cada reproducción de la serie. A partir de ella he ido, variando aspectos e intentando sintetizar para que sea lo más clara posible. 


Pregunté a los compañeros y algunos me dijeron que no se entendía demasiado bien que las patas eran de cabra. Como mi objetivo era usar un pictograma para que se entendiera universalmente el mensaje, estuve haciendo varias pruebas para mejorar este aspecto:
Siguiendo el proceso de diseño, probé diferentes dibujos con las patas de cabra de perfil con el fin de que se entendiera de forma inmediata.


Me dí cuenta enseguida de que esta imagen tiene mucha menos potencia que la anterior. Tanto en el ámbito narrativo como compositivo y da menos juego a la hora de añadir elementos extrapictóricos. Decidí entonces retocar el boceto anterior resaltando las características de las patas para dar mayor expresividad y claridad al dibujo. Con estos cambios  he logrado que se entienda todo mucho mejor. Me quedo definitivamente con esta imagen final.




3.     Pruebas de color y variaciones en el proceso.
Mi idea inicial era que tanto la imagen común como el fondo fueran colores y formas idénticos para que el objeto añadido fuera el único que cambiase la narrativa de la imagen. Sin embargo, pronto rechacé esta idea, ya que el color de fondo es de las mejores herramientas que se pueden usar en estos casos para crear contraste. Realicé numerosas pruebas de color y texturas del fondo en Photoshop:




En todas estas pruebas de color es exclusivamente el fondo lo que está cambiado, porque tanto la figura como el objeto extrapictórico son los mismos. He probado colores chillones y desaturados sobre diferentes texturas, y la verdad, el fondo de esta manera dice mucho más que si fuera liso. 
Me parece muy curioso cómo funciona la percepción humana porque es notorio que cada uno de los fondos contextualiza al personaje en un entorno completamente diferente y esto proporciona una narrativa distinta a cada prueba. En la primera y la cuarta imagen parece que está apoyado en el suelo, mientras que en la segunda parece  que flote en un espacio místico. 
Después de realizar estas pruebas me pregunté cómo sería si la figura también tuviera su propio color o textura así que seguí investigando:

                   
                      ­
Llegué a una conclusión clara tras realizar estas pruebas: me agrada y me interesa que la imagen común tenga textura o estampado ya que eso define una personalidad. Es más, prefiero destacar esa personalidad antes que el contexto (fondo) de la obra. La solución que propongo es dejar los fondos con un color plano y hacer que la figura tenga textura. Ya que si le doy textura tanto al fondo como a la figura, los objetos que luego añada, que realmente son los que le dan personalidad a la obra, van a perder mucha importancia entre tanto mar de estampado y color y creo que no se entendería del todo la idea que quiero transmitir. 
Con esa solución de los fondos planos le doy el toque Pop y de repetición en serie que antes buscaba.
E aquí unas pruebas de color en Photoshop en las que se puede comparar el efecto que tienen los fondos con textura con los planos. Aquí no se percibe demasiado bien el efecto que le darán los objetos que le añadiré luego, pero tienen una gran carga compositiva como observé al realizar esta pequeña prueba la cual fotografié. De todas formas en la fotografía tampoco se ve el efecto que dan los objetos al natural. Pero créanme cuando les digo que los objetos añadidos consiguen el efecto que yo esperaba y hacen realmente de nexo entre la imagen y el espectador.



                 

Definitivamente los colores y texturas que elegí son los siguientes:


Los fondos son los tres planos y sobre los dos primeros (gris y amarillo) pegaré las telas con la forma que ya tenía descrita y en el último será pintada.
Comencé por imprimar las tablas con esmero y pintarlas con estos tres colores planos.
Dibujé el patrón de la figura en papel continuo, a la medida que necesitaba de acuerdo con la medida de la tabla. Lo recorté y lo usé para recortar las telas y dibujar la tabla morada, (que luego iría pintada).




Para pegar las telas a la tabla tuve un pequeño dilema, porque no sabía cómo hacerlo. Probé en un par de cachitos a pegarlos por un lado con grapas y por el otro con silicona termofusible.


La tela estampada roja, como es de lona resulta más gruesa y fuerte, queda perfecta al pegarla con la silicona termofusible. Sin embargo, la tela azul, al ser más fina se arruga si intento pegarla con silicona, así que la pegué con grapas. 
Esta disyunción técnica me ha servido para diferenciar aún más (si no era poco con los diferentes estampados) los dos cuadros realizados con tela, ya que he usado las grapas para dibujar un contorno a la figura azul.



Para este cuadro he fabricado una especie de caja o jaula con madera de palé. He cortado los palos a la medida que me interesaba y los he pegado con silicona y clavos. También he añadido clavos decorativos, con afán de desarrollar cierta analogía al proceso que he seguido con las grapas.



Al montarlo he decidido inclinar la madera para proporcionar al cuadro entero más movimiento y dinamismo.


Al cuadro del fondo amarillo le he añadido tela metálica de gruesa, la cual he doblado a la medida de la tabla y finalmente la he pegado a ésta con grapas. 

 

El tercer cuadro en principio iba pintado liso, y maniatado con cuerdas gruesas. Pero me pareció que iba a quedar muy plano al lado de estos dos. Por eso, decidí probar a dibujar en el interior con negro la figura que me insinúa esa silueta-patrón de la que partí.




Esta es una prueba de un tipo de cuerda diferente a la que usé al final. No la escogí porque no es muy recia y no proporciona la tensión que quiero transmitir. 
Para colocar bien las cuerdas, le hice cuatro agujeros con el taladro de mano a la tabla. Y a través de ellos inserté la cuerda. El resultado final es el siguiente: 






4.     Proyecto terminado: Conclusiones




La verdad es que el proceso ha hecho que el resultado final sea bastante distinto a mi idea original, pero creo que esas variaciones han sido fruto de una evolución y un proceso de investigación de colores, formas, objetos y texturas muy enriquecedor y divertido.  
Además me ha abierto nuevos campos y posibilidades para seguir experimentando.  Me gustaría, en el futuro (supongo que no muy lejano), continuar la serie en dos direcciones diferentes:
La primera en base a los recortes de tela pegados. Creo que la tela es un recurso muy valioso que puedo explotar. Nunca la había usado para componer un cuadro y ha sido un verdadero descubrimiento. Además, desde niña he estado muy vinculada con este material y disfruto muchísimo y me siento muy cómoda trabajándolo. 
A partir del cuadro de las cuerdas me gustaría continuar investigando el efecto que he conseguido dar con la pintura. Me parece una forma muy potente y dinámica de resolver la figura. Me gusta y me impresiona mucho el efecto volumétrico que se puede llegar a dar con tan solo dos colores.
Para concluir, decir que me siento satisfecha con este proyecto porque creo que he conseguido alcanzar la meta que inicialmente me había propuesto: aportar sensaciones y lecturas y diferentes con cada uno de los cuadros usando una misma imagen base.



Tercer 100 x 70



 Este último cuadro está realizado sobre un tablero DM y no tiene imprimación ya que me intrigaba qué efecto daría o que ventajas o inconvenientes tenía pintar sobre el mismo tablero.

Tiene un par de fallos notorios de encaje. Uno en la pierna que queda a la izquierda (que se ve mucho más claramente cuando recorto la imagen) y otro en el brazo derecho. Se perciben con mucha claridad en este recorte. El pie está practicamente de perfil mientras la pierna vienedesde atras. El brazo me estaba costando mucho porque en cáda pose la modelo lo ponía de una forma diferente y nunca conseguía cogerle el tono.


Las partes que más me gustan cómo han quedado son el pecho y la barriga.



 Tenía, desde el primer momento, la intención de hacer una pequeña crítica a la modelo que se pasa sus poses leyendo. No es por que no lea, porque leer es muy bueno y recomendable para todo el mundo, pero la mayoría de las poses las adapta para poder leer mientras posa. Sino comprobar el mi primer 100x70). Porque podríamos nosotros disfrutar de poses más creativas y que dieran más juego a la hora de pintar. Entonces yo pretendía pintarle al fondo, así difuminada, una estantería repleta de libros.Total, una tontería que se me ocurrió que al final no he hecho porque el profesor me dijo que tenía que unifiacar el fondo para darle mas volumen a la figura. Cosa que he hecho.




Segundo 100 x 70

Esta es la segunda pintura al natural que he realizado este cuatrimestre:


Está realizada sobre un tablero DM e imprimada con cola blanca. Me apatecía probar esta imprimación para ver qué efecto daba y porque quería que el fondo quedara marrón. La verdad es que tiene una textura diferente al gesso que no está mal.

En cuanto a la pintura, la verdad es que me he centrado en la cara más que en el resto del cuerpo, cosa que se puede observar en la imagen. También hay unos fallos de encaje en el cuello y el brazo que no están bien situados o proporcionados con respecto a la cara.

Me gusta mucho como ha quedado finalmente el fondo, ya que es muy expresivo. Lo cual puede, por otro lado, quitarle protagonismo a la figura. Pero para disminuir este efecto lo he difuminado un poco más conforme se acerca al cuerpo.

Aquí incluyo un detalle de la cara y otro que abarca el brazo y parte del pecho, el cual está mucho más difuminado y confuso en comparación.




Gregor Schneider

Este reconocido artista alemán es escultor a la vez que trabaja con los espacios.

Lo que más caracteriza a su obra, de hecho, es el trabajo que realiza con espacios: los modifica y les da nuevas dimensiones con el fin de crear, de alguna manera, nuevas realidades que engullan al espectador. En ellas es posible entrar y ser partícipe.


Un dato curioso es que este hombre está un poco obsesionado con la muerte. Por este motivo fabricó una habitación destinada para  meter dentro a una persona a punto de morir que se ofreciera para morir allí. Hubo mucha controversia con esta obra, pero él pensaba que era una idea inocente y que no tenía nada de malo que alguien muriese de forma natural dentro de una galería.

 Yo me pregunto ¿por qué nos espanta tanto la muerte? Parece un tema tabú en nuestra sociedad, pero en realidad, si lo piensas, es lo más natural que hay y está incluso al mismo nivel que la vida.

Maurizio Cattelan

Es un escultor italiano que actualmente reside en Nueva York. Tiene un completo catálogo de obras con gran sentido satírico y críticodirigido hacia la hipocresía la sociedad moderna y el arte contemporáneo. 

Tiene trabajos muy chirriantes, que a muchos le spueden resultar molestos, ya que ridiculiza y hace ver la realidad de como somos. Sobre todo, me ha impresionado esta obra Untitled. Me ha llamado la atención que no quisieran exponerla en la Bienal de arte contemporáneo de Sevilla de 2004, por ser hiriente. ¿Cómo se puede ser tan hipócrita para ver sin inmutarse noticias en las que aparecen niños muriendo y no aceptar esta obra en una exposición tan importante? Al fnal creo que expuso. 


Me parece un artista muy involucrado con la sociedad y, por ello emite, con su arte, mensajes para que todos reflexionemos sobre ello y al menos nos demos cuenta de cómo es el mundo en el que vivimos.